坪田昌之／Tsubota Masayuki

姫路市を拠点に活動している美術家の坪田昌之（1976～）は、木をはじめとする自然素材からなる立体作品や壁面レリーフを多数手がけています。建築家や空間デザイナーから依頼を受けることも多く、東京ガーデンテラス紀尾井町や姫路市のダイセルイノベーション・パークなど、数百か所に作品が設置されています。

大阪市に生まれた坪田は、高校生のときに美術家の父と同じ道を志し、デッサン教室に通うようになりました。その後大阪芸術大学美術学科に進学し、同大学大学院芸術制作研究科では彫刻を学びながら古い建築や仏像を訪ね歩き、幅広い知識や豊かな着想を得ていきました。学生時代の恩師である彫刻家の河合隆三（1935～）から受けた、「思考することが制作の原点で、生きざまが作品になる」という教えも、坪田の創作における基盤となっていると言えます。

初期は素材の木地や木肌をそのまま活かす傾向が見られましたが、徐々に赤や青などの鮮やかな彩色やモノトーンのスタイリッシュな配色、さらには金箔や錫箔などが施されるようになり、現在の作風が構築されていきました。また、坪田の作品に共通する要素としては、一定の方向に彫りこまれた、ひだのような細い溝の連なりが挙げられます。無駄のないシンプルなフォルムは緻密に構築されており、一見すると硬く無機質な印象を与えます。しかし、一歩近づいてみればその表情は柔らかさを帯び、そこにノミやカンナといった「手道具」によってもたらされる温かみや、自然素材のなかに新たに生み出された生命力を感じることができるでしょう。それを通して鑑賞者の潜在意識や本能を揺さぶり、個人にとどまらない集合的な精神、未知の記憶を呼び覚ますことは、坪田が探求し続けているテーマの一つです。さらに、このような揺らぎを内包する造形はインスタレーション作品としても機能し、作品と空間の関係性を改めて考えさせます。

木を彫る際には対話をするように向き合い、自身の呼吸や脈拍、あるいは彫るという行為そのものを作品に注ぎこむ姿勢は、近畿から北海道まで諸国を遊行しながら数多くの神仏像を彫った僧侶の円空（1632～1695）から影響を受けているといいます。

近年は精力的に作品を制作するかたわら、若手の芸術家たちが金銭的な制約を受けずに創作に励めるよう、姫路市にアートスタジオを開設するなど活動の幅を広げています。作品を発表する場としてはもちろん、日用品の製造や販売、ワークショップにも利用することで後進を力強くサポートする姿には、中堅作家としてのたしかな風格が漂っています。

Masayuki Tsubota (b. 1976), an artist based in Himeji City, is renowned for his extensive body of three-dimensional works and wall reliefs crafted from wood and other natural materials. Architects and spatial designers frequently commission him, and his art graces hundreds of locations, including prominent sites like Tokyo Garden Terrace Kioicho and Daicel Innovation Park in Himeji City.

Born in Osaka City, Tsubota was inspired to follow in his artist father’s footsteps during high school, leading him to begin drawing classes. He then pursued his artistic passion at the Osaka University of Arts, where he majored in Fine Arts. While undertaking his graduate studies in sculpture at the university’s Graduate School of Art and Design, he delved into old architecture and Buddhist statues, accumulating a vast reservoir of knowledge and inspiration. A pivotal influence on Tsubota’s creative philosophy came from his former teacher, sculptor Ryuzo Kawai (b. 1935), who taught that “thinking is the starting point of creation, and the way of life becomes the work of art”.

In his early career, Tsubota primarily utilized wood and its natural surface as a core element. Over time, however, he began to incorporate vibrant hues like red and blue, elegant monotone palettes, and even gold and tin leaf, developing the distinctive style he is recognized for today. A hallmark of Tsubota’s work is a series of delicate, fold-like grooves meticulously carved in a consistent direction. His pieces, characterized by simple, lean forms, initially appear hard and inorganic due to their precise construction. Yet, upon closer inspection, one discovers a profound warmth, a testament to the “hand tools”—such as chisels and gouges—used in their creation, and a vibrant life force newly infused into the natural materials. A recurring theme for Tsubota is to awaken the viewer’s subconscious and instincts, tapping into a collective spirit and unknown memories that transcend individual experience. Furthermore, the dynamic formations within his installations encourage viewers to re-evaluate the relationship between the artwork and its surrounding space.

When carving wood, Tsubota approaches the material as if engaging in a dialogue, imbuing each piece with his own breath, pulse, and the very act of carving itself.

In recent years, while continuing to create art prolifically, Tsubota has expanded his endeavors by establishing an art studio in Himeji City. This initiative aims to provide young artists with a space to pursue their creative work without financial constraints. The studio serves not only as a venue for exhibiting art but also as a center for manufacturing and selling daily necessities and for conducting workshops, offering robust support to the next generation of artists.