佐野賢／Sano Ken

佐野賢（1942年～）は、生まれ育った京都を拠点に活動している石彫家です。

京都市立美術大学（現・京都市立芸術大学）の彫刻科を卒業、また同大学の彫刻専攻科を修了しており、在学中の1966年には初めての個展を開催しています。卒業後は無所属で制作に励み、個展を中心に作品を発表しつつ、京都野外彫刻展や京都彫刻家協会展などにも毎年出品していました。そのほか、学校や公園といったパブリックスペース用のモニュメントも手掛けており、大阪府池田市栄本町の桜通りに設置されている【石の道・石の門】（1996年）がよく知られています。この「門」のモチーフは、京都市立芸術大学創立120周年記念展で発表された、「リアリティーの中のアニマシリーズ」の一つである【メタファーとしての門】（1996年）にも見られ、いずれも、大ぶりな石の下部に門状の穴が開けられているのが特徴です。京都市立芸術大学芸術資料館には【背伸びする門】（2007年）と題した作品が収蔵されており、このモチーフに対して佐野が長く関心を持っていることが窺えます。作品のほとんどはこのように石を素材としていますが、初期の1969年に制作した【角砂糖の理想的溶け方】には、当時では珍しい発泡スチロールが用いられています。こちらは、1994年に四日市市立博物館で開催された「かたちのミュージアム」にて、テーマの一つである「星のかたち」部門に出品されました。

創作のかたわら、後進の育成にも尽力しており、1974年より京都市立芸術大学美術学部造形コース（現・美術科）構想設計専攻専任講師に着任し、1980年には助教授、1992年からは教授として指導にあたりました。なお、京都市立芸術大学美術教育研究会が発行している雑誌『美』（1988年）には、助教授時代の佐野が寄稿した小論「新しい美術表現への試みと構想設計」が掲載されており、現代美術や学生たちに対する彼の考えや姿勢を窺い知ることができます。この文章において佐野は、60年代から80年代にかけての世界の美術動向を概観し、ポップアートやミニマルアートの隆盛に言及しながら、常に新しいイメージの出現が期待されているという事実を明確にしています。そのうえで、自身が受け持つ構想設計専攻については、ジャンルにこだわらず広い視野に立って表現を模索できる分野と説明されており、学生たちが自由かつ適切なアプローチで作品づくりに臨めるような指導を心掛けていることも語られています。具体的には、特別なメニューやカリキュラムを設けない一方で、平面・立体・映像の三つの制作室を目的と内容に応じて使うことを求め、「表現と方法の“場”が広範にまたがっている」現代の美術界に対応できるよう導くといった方針が挙げられます。「常に現実との接点を明確に持ち、意欲的に、より個性的な表現を求めて冒険を続けることが、新しい表現への予感と、かすかな予測を導き出せる方法」と語る佐野は、創作者としてはもちろんのこと、新たな可能性を切り拓こうとする未来の芸術家たちを鼓舞する指導者としても誠実であったと言えるでしょう。

Ken Sano (1942- ) is a Kyoto-based stone sculptor, born and raised in the city.

He graduated from the sculpture department of Kyoto City University of Arts (formerly Kyoto City University of Arts), where he also completed his postgraduate studies in sculpture. Notably, he held his first solo exhibition as a student in 1966. Following graduation, he pursued a career as an independent artist, showcasing his work primarily in solo exhibitions, while also consistently participating in the Kyoto Open-Air Sculpture Exhibition and the Kyoto Sculptors Association Exhibition. He has created numerous public monuments for locations such as schools and parks. Among his most recognized works is “Ishi no Michi, Ishi no Mon (Stone Path, Stone Gate)” (1996), installed on Sakura-dori in Sakaehonmachi, Ikeda City, Osaka Prefecture. This “gate” motif is a recurring element in his work, as seen in “Gate as Metaphor” (1996), part of the “Anima Series in Reality” presented at the 120th anniversary exhibition of Kyoto City University of Arts. Both pieces feature a gate-like aperture carved into a large stone. The Kyoto City University of Arts Art Museum’s collection includes “Tall Gate” (2007), further highlighting Sano’s enduring fascination with this form. While primarily a stone sculptor, an early piece, “The Ideal Melting of a Sugar Cube” (1969), demonstrates his experimentation with styrene foam, a less common material at the time. This work was featured in the “Shape of a Star” section of the “Museum of Forms” exhibition at the Yokkaichi City Museum in 1994.

In 1974, he joined the faculty of Kyoto City University of Arts, Department of Design, Faculty of Fine Arts (now the Department of Fine Arts) as a full-time lecturer. Later, as an assistant professor, he contributed an essay titled “An Attempt at New Art Expression and Conceptual Design” to the magazine “Bi” (1988), published by the Kyoto City University of Arts Art Education Research Group. In this essay, Sano reviews global art trends from the 1960s to the 1980s, acknowledging the rise of Pop Art and Minimal Art, and emphasizes the constant expectation for new artistic visions. He describes his specialization, Conceptual Design, as a field that encourages students to explore expression broadly, transcending genre boundaries. He aimed to guide students in a way that fostered free and appropriate artistic approaches. While not bound by a rigid curriculum, students were encouraged to utilize the three production studios (two-dimensional, three-dimensional, and video) according to their project needs. The university’s approach was to prepare students for the contemporary art world’s increasingly interdisciplinary “fields of expression and methods”, while “maintaining a clear connection to reality”. Sano’s philosophy, “Always keeping a clear contact with reality, being ambitious, and continuing to venture in search of more individualistic expression are ways of deriving premonitions and faint predictions for new expression”, reveals his dedication not only as an artist but also as an educator inspiring future generations to push creative boundaries. He was a leader who inspired future artists to explore new possibilities.