畠山耕治／Hatakeyama Koji

畠山耕治（1956～）は、青銅を素材とした鋳金作品でよく知られている造形作家です。

銅器の町である富山県高岡市で生まれ育った彼が鋳金を意識し始めたのは、意外にも金沢美術工芸大学に入ってからのことでした。工芸デザイン科に入学した当初は陶芸を専攻しようと考えていましたが、大学2年生のときに鋳金の教授のオブジェ制作を手伝ったことを契機に金属の造形に関心を持ち、その道を志すようになりました。1980年に同大学を卒業すると高岡市に戻り、5年後に工房を設立して本格的な創作活動を展開していきます。大学を卒業してから1980年代後半までは主に皿状の作品を手がけていましたが、1980年代末から1993年ごろにかけては、上部が開いた円筒状の青銅器の制作に没頭しました。装飾的要素が徹底的に削られ、蓋もついていない、実にシンプルなこの造形には、中を覗いたときに器のなかに漂う空気を感じさせるという狙いがありました。鋳金で立体物を制作する際は、加熱して溶かした金属を、外型と中型という二つの型の間に流しこみ、内側に中空部分をつくります。必然的に生まれるこの空洞に注目した畠山は、内側の世界があってこそ器は器として成り立つものだということに思い至り、上記のような作品を生み出したのです。

1993年を過ぎると、畠山の関心は円筒状の器から蓋を備えた箱へと移行します。こちらも余分なものをそぎ落としたつくりになっていますが、「神の器から人間になった」という作者自身の表現を踏まえると、いずれの作風においても、実用性への意識ではなく、よりコンセプチュアルな思考が根底にあることが窺えます。上から下へと覗きこむ円筒状の器は、神の視点や重力といった上下運動を感じさせていましたが、蓋によって内部が見えないように閉ざされた箱は人間の身体そのものを暗示し、上下のみならず全方位に動きだすようなダイナミズムを表現しているのです。また、箱の中身を隠すことで、そのなかに潜む空気や空間を鑑賞者に想像させるという効果ももたらされています。なお、畠山と箱の出会いについては、1982年に金沢で開催された「国際工芸デザイン交流展」にてフィンランド製のシンプルな木箱を買ったことがきっかけであったとの指摘があります。

箱の造形は2000年以降も継続して作られていきますが、その作風には転換点とも呼べる大きな変化が表れています。1つ目は、【白い雨】（2002年）や【やわらかな流れ】（2002）のように、原型の材料である木の縦筋を表面にそのまま残すことで、金属らしからぬ柔らかで温かな質感や自然の気配を表現している点です。次に、文様や色彩、形状において日本の伝統を参照している点が挙げられます。初期の青銅そのものといった簡素な外観とは異なり、錆によって浮かび上がらせた美しい色合いや文様、伝統的な飾り箱を彷彿とさせる多角形の形態などによって金属の新しい表情を引き出しており、イギリスを中心とした海外のコレクターたちにも愛されています。近年では欄干や街灯などの公共事業、建物の内装などにも関わり、鋳金の可能性をさらに押し広げています。

Koji Hatakeyama (born 1956) is a renowned metal sculptor, primarily known for his bronze cast works.

Growing up in Takaoka City, Toyama Prefecture, a region celebrated for its bronze craftsmanship, Hatakeyama’s interest in metal casting was unexpectedly sparked during his time at Kanazawa College of Art. After graduating in 1980, he returned to Takaoka and, five years later, established his own studio, marking the true commencement of his artistic pursuits. From the late 1980s to around 1993, he dedicated himself to creating open-topped cylindrical bronze sculptures. These simple, lidless forms, devoid of any decorative elements, were designed to allow viewers to experience the interior atmosphere of the vessel. Hatakeyama’s casting technique, involving pouring molten metal between outer and inner molds to form a hollow space, highlighted this inherent void. He recognized that a vessel’s essence lies in its inner world, leading to the creation of these iconic pieces.

Following 1993, Hatakeyama’s focus shifted from cylinders to lidded boxes. While still adhering to a minimalist aesthetic, his statement, “I became a human being from a vessel of God”, suggests a conceptual underpinning rather than mere functionality. The vertical, top-down perspective of the cylindrical vessels evokes notions of divine observation or gravity, while the enclosed boxes symbolize the human form, conveying multidirectional dynamism. The concealed contents of these boxes invite viewers to contemplate the hidden air and space within. Notably, Hatakeyama’s introduction to box forms occurred during the “International Craft and Design Exchange Exhibition” in Kanazawa in 1982, where he acquired a simple Finnish wooden box.

After 2000, while continuing to explore box forms, Hatakeyama’s style underwent a significant evolution. Works like “[White Rain]” (2002) and “[Soft Stream]” (2002) showcase this shift, featuring the natural wood grain on the surface, creating a soft, almost non-metallic warmth and a subtle nod to nature. Furthermore, he began incorporating elements of Japanese tradition in his designs, colors, and shapes. Departing from the stark simplicity of early bronze works, he embraced the rich hues and patterns produced by rust, and adopted polygonal forms reminiscent of traditional decorative boxes, giving his metal sculptures a new dimension that has resonated with collectors, particularly in England. In recent years, Hatakeyama has expanded his repertoire to include public installations such as parapets and lampposts, as well as architectural interiors, further pushing the boundaries of metal casting.